No Fun

A Lua é Minha ou A Praça Roosevelt continua linda

2009-12-16T18:45:00.000-08:00

Um pintor brocha. A piada pronta ganha contornos existencialistas no texto de Mário Bortolotto. João Luís, vivido por Ruy Andrade, está em crise criativa, uma brochada tanto sexual quanto psicológica. Sem conseguir pintar nada que preste, ele vive às custas de sua marchand, Fernanda Fazzi *, que já está desesperada para que ele pinte algo vendável novamente. Na velha luta artista versus mercado, João vive um interminável intervalo.

Ela tem então a ideia de apresentar Fabiane (Luisa Valente) para o pintor, esperando que a garota surta algum efeito no artista, tanto faz se no campo artístico ou sexual, desde que o tire do estado de letargia. João acaba aceitando conhecer a moça, chamada de Fabiane, a louca. Mais tarde ele compreenderá o motivo da alcunha.

A tensão sexual que se estabelece entre os três personagens é apenas um pretexto para que Bortolotto exponha temas mais próximos e constantes de sua obra: solidão, perda e desapego, tanto emocional quanto material. É da boca de Fabiane que João irá aprender a mais triste das lições: devemos aprender a perder aquilo que amamos.

A montagem de Luiz Eduardo Frin mantém elementos característicos das peças de Bortolotto, como o cenário contido, não muito mais do que poucos móveis e garrafas de bebida, e acrescenta outros, como uma tela onde são projetadas imagens que complementam o texto. Em alguns momentos, tem lá sua graça, como quando Bukowski faz companhia às duas personagens femininas em um bar; em outros, serve como asterisco, mostrando imagens de trabalhos de Basquiat enquanto João faz uma breve biografia do pintor, num momento Wikipedia da peça.

A Lua é Minha nos apresenta personagens que já desistiram de procurar por algo, como que conformados com sua infelicidade. Fabiane debocha de João quando este acredita que eles podem formar um casal. Mas a percepção de que nada possuem não deixa de ser libertadora. Enquanto todos buscam o sol, a luz do estrelato e da riqueza, Fabiane e João têm a lua para si.

A Lua é Minha ganha uma sessão extra no domingo, 20/12, com renda revertida para os custos de tratamento e estadia dos parentes de Mário Bortolotto. A propósito, a sessão estava lotada, contrariando o alardeado esvaziamento da praça em decorrência do assalto ao Parlapatões.

* no dia 16/12, Fernanda Fazzi foi belamente substituída por uma atriz cujo nome infelizmente não me lembro.

Espaço dos Satyros 1
Pça. Franklin Roosevelt, 214 - Consolação - Centro. Telefone: 3258-6345.
Ingresso: R$ 10 (preço promocional).
Dia 20: 20h.

Há que se concordar com Tarantino: Bastardos Inglórios é seu melhor trabalho

2009-10-19T20:39:00.000-07:00

Em recente entrevista, Quentin Tarantino disse que, com a cena inicial de Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds, no original, com a grafia de Bastards propositalmente errada), superou aquela que acreditava sua melhor cena até então: a do interrogatório em Amor à Queima Roupa (curioso que ele estime tanto a cena, e ele deve se referir ao roteiro apenas, já que, no passado, deixou claro sua insatisfação com o tratamento que seu texto recebeu de Tony Scott).

Na cena em questão, Dennis Hopper, na pele do personagem Clifford Worley, pai de Clarence Worley (interpretado por Christian Slater), é interrogado pelo gângster Vincenzo Coccotti, irrepreensivelmente interpretado por Christopher Walken, que está em busca de uma mala cheia de cocaína roubada pelo filho de seu interrogado. Interrogado é um modo sutil de dizer, já que Worley está, como se poderia presumir, sendo espancado para que entregue seu filho.

Em meio à sessão de tortura, Worley, audaciosamente (ou quem sabe já prevendo seu fim), pede um cigarro a seu algoz e desata a lhe contar a história de seus antepassados; como o sobrenome denuncia, Coccotti é italiano, siciliano, mais precisamente. E os sicilianos, como conta Worley, carregam olhos e cabelos escuros hoje em dia após inúmeras relações entre seus antepassados italianos e os mouros (que, nas palavras de um sarcástico Worley, não deixam de ser negros; conclusão: Coccotti tem sangue negro nas veias). É obvio que Worley é morto por Coccotti, mas isso não importa, pois ele já empreendeu sua vingança.

Na cena que abre seu mais recente filme, outro interrogatório se trava. Desta vez, entre um oficial nazista, um Caçador de Judeus, como é conhecido, e um francês acusado de esconder judeus em sua casa. Christoph Waltz, o oficial nazista Hans Landa, não faz vergonha a seu quase xará Christopher da cena acima citada e domina o filme magistralmente. Outro interrogatório, outra vingança. Mas, neste caso, ela virá ao final.

Inglourious Basterds terá outros “interrogatórios”. Afinal de contas, estamos na época da Segunda Guerra e os inimigos podem estar escondidos, disfarçados em qualquer lugar. Assim como a primeira, estas cenas são dos pontos altos do filme, permitindo a seus atores travarem duelos verbais de extrema grandeza, tão fortes quanto os duelos de espadas e outras armas vistos em Kill Bill, outro dos filmes do diretor.

Mas, em se tratando de Tarantino, não é apenas com diálogos que se preenche as mais de duas horas de projeção (153 minutos, para sermos exatos). Há a sua já famosa violência esteticamente forte e, ao mesmo tempo, pop, já que, de tão exagerada, beira o absurdo das histórias em quadrinho. Os Bastardos Inglórios do título protagonizam a maioria delas, já que se trata de um grupo de oficiais judeus americanos que vai à Alemanha com um só propósito: matar o maior número possível de nazistas. Seu líder é o tenente Aldo Raine (Brad Pitt, que pode colocar este em sua prateleira de papéis marcantes, como o Tyler Durden de Clube da Luta e o Mickey O'Neil de Snatch e que, coincidentemente, fez uma ótima ponta como um viciado – sem trocadilhos – em Amor à Queima Roupa). O fato é que Raine faz questão de que cada um de seus homens lhe traga uma singela lembrança: cem escalpos nazistas, a parte de cima, que cobre o cérebro, de suas vítimas (curiosidade: existe um personagem da Marvel, do universo dos X-Men, com a mesma mania, o Caçador de Escalpos, também ele um oficial americano da Segunda Guerra).

Existem diversas leituras, camadas, tramas e sub-tramas em Bastardos Inglórios. O filme é uma ode ao western (como visto já na abertura e em outros momentos), a quem Tarantino deve tanto, principalmente na sua faceta Spaguetti e explicitamente a Sergio Leone. Mais do que ao western, é uma ode ao cinema, pano de fundo e figura central onde se desenrola parte considerável e o clímax do filme. O diretor aproveita também para se dar ao prazer de ser auto-referencial. O que é a cena do strudel se não uma citação da cena do milk shake de cinco dólares presente em Pulp Fiction? E o tenente Aldo Raine, que nos faz lembrar o Jules Winnfield do mesmo Pulp Fiction, ao citar sempre o mesmo texto antes de atacar suas vítimas?

O fato é que, ao mesmo tempo em que homenageia a história do cinema (não só o alemão, mas este explicitamente citado), Tarantino se dá ao luxo de aludir a si mesmo, como quem faz uma piada interna. O que poderia passar por megalomania em um diretor menor, é permitido a Tarantino após este filme. Com Bastardos Inglórios, ele atinge o patamar de seus ídolos e responde a quem via nele apenas um pastiche de outros diretores. Há que se concordar com Tarantino: Bastardos Inglórios é seu melhor trabalho.

Felizes Para Sempre é luta verbal entre personagens desiludidos

2009-07-24T15:15:00.000-07:00

Mais do que uma peça dividida em três partes, “Felizes Para Sempre” é uma luta de três rounds. Um duro embate entre homens e mulheres, em que ambos saem feridos. No primeiro assalto, ou melhor, na primeira história, “Speak Easy”, um homem fuma (últimas baforadas antes que a lei vigore) à espera de sua mulher. Fuma e bebe. Há três dias. “Sweet Jane”, do Velvet Underground, toca no rádio, um dos poucos objetos em cena, além de latas de cerveja, garrafas, abajures e um sofá-cama. Lucia chega e a luta se inicia. Luta verbal, em que as armas usadas são as palavras redigidas pelo autor, Mário Bortolotto. “O Rei do Amor está morto” mostra um casal que discute a masculinidade de James Dean, os fetiches de Elvis Presley e o próprio relacionamento. Em “Sweet Emily”, um ex-pugilista e escritor frustrado volta para casa, após apanhar vergonhosamente em uma briga de rua.

Em todas as cenas, personagens derrotados, perdidos, beijando a lona. Simone Shuba, que assina a direção, consegue imprimir a concisão que o texto pede. A iluminação, com uma luz baixíssima, e o cenário, quase vazio, reforçam o clima de melancolia que permeia a peça.

Adriana Quintanilha, Felipe Ramos, Mariana Marinho e Henrique Zanoni se revezam nos papéis, com destaque para Adriana, a Lúcia da primeira e a Sweet Emily da terceira parte. Em meio à sujeira, à violência e à degradação humana, os personagens ainda conseguem, a seu modo, serem felizes para sempre.

Espaço dos Satyros 1
Texto: Mário Bortolotto
Direção: Simone Shuba
Elenco: Adriana Quintanilha, Felipe Ramos, Mariana Marinho, Henrique Zanoni
Quando: Quinta, 20hs
Onde: Pça Roosevelt, 214
Quanto: R$ 20,00; R$ 10,00 (Estudantes, Classe Artística e Terceira Idade); R$ 5,00 (Oficineiros dos Satyros e moradores da Praça Roosevelt)
Lotação: 70 lugares
Duração: 70min
Classificação: 16 anos
Gênero: Drama
Quando: até 30 de julho de 2009

Madrugada dos Vivos

2009-05-11T07:26:00.000-07:00

A madrugada é dos vivos. Não há zumbis na madrugada. O bar fecha cedo. Os tempos são outros, tempos obscuros. O jeito é ir embora, encarar a noite alta. Alto. O caminho de volta é tortuoso, depois de horas. Como num filme de Scorsese. O ônibus passa correndo, o jeito é correr atrás. Não sem antes discutir. Não há tempo para assaltos, é preciso alcançar o ônibus que parou no sinal. Ele não vai parar, ele avisa. Eu vou correr atrás de você, ameaça. Tarde demais. A madrugada é dos vivos. Não se pode ficar para trás.

O ônibus não vai muito longe. É preciso pegar outro. Pegar mas não pagar. O crédito acabou. O jeito é mergulhar, como tantas vezes antes. O travesti caminha pela rua ajeitando os peitos. Orgulhoso. O posto é o último refúgio. Uma última cerveja, é tudo o que pede a noite. Mas outros também pedem. O japonês bem vestido e tatuado pede um refrigerante. A voz entrega que não é disso que precisa. Um cara passa correndo. Como se não houvesse amanhã. Segundos depois outro corre atrás. Não existem zumbis na madrugada. Ela é dos vivos, e é preciso correr.

Dois moleques estão felizes. Enganaram um viado. Que queria uma chupada. Viado e pedófilo. Vinte reais mais pobre. Não se pode bobear na madrugada. Um mendigo canta Zeca. Mas de um jeito bem Bezerra. Não há couvert para ele. Ninguém pede bis. É preciso ir embora.

Bortolotto ri de playboys que se acham grande coisa

2009-02-19T19:34:00.000-08:00

Duas garrafas de cerveja, um livro dos Malvados e uma coletânea do Iggy Pop na cabeça, fui assistir Será que a gente influencia o Caetano, assinada por Bortolotto e dirigida por Henrique Stroeter e Claudinei Brandão. Diferente da maioria das peças do dramaturgo, que transbordam melancolia, essa aqui vai pelo caminho da caricatura e do escracho. Mas o destino final é o mesmo, a mais pura fotografia de uma geração perdida. O triste é constatar que o texto, de 1985, tirando uma ou outra adaptação aos novos tempos (NX Zero e My Chemical Romance, cada geração tem os ídolos que merece), mantém-se extremamente atual.

O cenário é zero. Nem as fatídicas mesinhas lotadas de garrafas, que fazem parte da maioria das peças do autor, estão presentes aqui (justiça seja feita, em uma cena os personagens dão um tapa numa long neck). Isso dá espaço para que Alexandre Bamba e Mario Mathias brilhem nos papeis de dois losers, dois playboys que, no entanto, acham que são grandes artistas (um músico e um poeta). O sonho dos dois é conquistar a fama e, quem sabe até, fazer uma música que influencie Caetano Veloso (outra triste constatação, ainda hoje a figura de Veloso continua atual).

A quantidade de referências mezzo pop mezzo kitsch faria inveja a Tarantino. Impagável a cena em que os dois dançam Serginho Mallandro. Ídolos (o programa trash), emo, MPB, garotas de cursinho, garotas de faculdade. Tudo vira piada e transborda acidez no texto de Bortolloto. Como diria Gil Vicente, é rindo que se critica. Ou como diria o povo, é rir pra não chorar.

Será que a gente influencia o Caetano?
Onde: Espaço Parlapatões - Praça Franklin Roosevelt, 158, Consolação
Quando: quintas, 21h; sábados, 23h59. Até 28/02.
Quanto: R$ 20,00.

O Casamento de Rachel mostra deslocamento de ex-viciada

2009-02-18T10:35:00.000-08:00

É de deslocamento que nos fala Jonathan Demme em O casamento de Rachel. Porque é assim que Kym, personagem de Anne Hathaway (indicada ao Oscar de Melhor Atriz pelo papel) se sente durante grande parte do filme. Kym volta para casa bem a tempo do casamento da irmã, Rachel. O problema é que ela não estava de férias, mas sim internada em uma clínica de reabilitação.

A partir daí, a câmera de Jonathan Demme (que evoca uma câmera caseira, como se víssemos um vídeo de casamento) e os olhos de todos se voltam para Kym. Logo quando ela chega em casa, alguém a reconhece e pergunta se ela não tem “unzinho” pra arrumar. Assim como acontece com ex-detentos, é difícil se livrar da fama de junkie, mesmo para quem está limpo como Kym.

Mas aos poucos o castelo de cartas da família vai caindo, e vemos que não é só no personagem de Hathaway que se concentram os problemas. Se ela é a ovelha negra, o resto do rebanho não é tão branquinho como parece. O pai se preocupa de maneira obsessiva com a filha, a irmã só se preocupa com o casamento, a mãe (divorciada) é ausente, etc.

Assim como em O silêncio dos inocentes e Filadélfia, filmes mais conhecidos de Demme, o protagonista é uma outsider, uma deslocada, uma gauche. Ela simplesmente não se encaixa no meio em que vive. Não por acaso, um dos poucos com quem consegue estabelecer uma relação é com o padrinho, que por acaso faz parte do mesmo grupo de reabilitação que frequenta.

Em muitos aspectos O Casamento de Rachel lembra Feliz Natal, de Selton Mello, que por sua vez lembra os filmes de Cassavetes. Um ente problemático que retorna ao lar, para uma família que, por trás das aparências, também desmorona.

Beleza em meio ao caos de São Paulo

2009-02-18T07:57:00.000-08:00

Se a intenção da mostra 300mm, em cartaz no Instituto Cervantes, era recriar o clima da caótica São Paulo, conseguiu. Perto da gravação em espanhol repetida ad nauseum com informações sobre a cidade, o clima da hora do rush da Avenida Paulista, onde fica o Instituto, torna-se quase bucólico.

Mas a despeito do caráter de instalação, a exposição é bem feita e significativa. Diversos aparelhos de televisão de um lado, escadas no meio e imagens projetadas do outro mostram fotografias de São Paulo que apontam a diversidade da capital. Em uma das projeções, imagens de Bob Wolfenson e Tuca Vieira (infelizmente não é discriminado de quem é cada foto) de uma São Paulo ao mesmo tempo caótica e bela. Wolfenson e Vieira conseguem enxergar a beleza (em um simples arco-íris, por exemplo) por trás de elementos tão odiados pelo paulistano, como o trânsito e a superpopulação.

Na projeção do meio, primeiramente são mostradas fotografias de Filipe Berndt, do bairro da Bela Vista, mais especificamente de uma academia montada debaixo de um viaduto, voltada principalmente ao boxe. Berndt, assim como já o fizeram Scorsese e Eastwood no cinema, descortina o que há de belo em um esporte visto muitas vezes apenas como violento. Outra série apresenta a arte urbana tão presente (e tão polêmica) em São Paulo, em imagens de Ignacio Aronovich.

Primeiro a pixação, depois o grafitti. Mas um tipo especial de grafitti, feito no subterrâneo, nas galerias pluviais, por Zezão, que chama a atenção com seus ícones abstratos para o lixo que a cidade produz e prefere esconder. Um dos televisores apresenta um vídeo do mesmo Aronovich sobre o trabalho de Zezão.

A última das projeções contrasta com as demais, por mostrar uma São Paulo em preto e branco, vista de cima, com ar antigo e romântico. Daria até para esquecer um pouco do caos, se não fosse a gravação em repetição contínua, de enlouquecer. Como, muitas vezes, a própria São Paulo.

Onde: Instituto Cervantes - Avenida Paulista nº 2.439
Quando: até 21/02 - segunda-feira das 08h às 20h; terça à sexta das 08h às 21h. Sábado das 09h às 15h.
Quanto: grátis

Descendo do salto: celebridades são desmistificadas em duas mostras em São Paulo

2009-01-27T04:15:00.000-08:00

Está em cartaz no SESC Pinheiros a exposição Voom Portraits, de Robert Wilson. Fruto de um projeto idealizado por uma empresa de televisores de alta definição, as obras de Wilson são um misto de fotografia, vídeo e cinema. Em modernos televisores, são projetadas imagens que, de início, lembram fotos. Aos poucos, o retratado começa a se mover, ou algo começa a acontecer, mas sempre em movimentos contidos.

Diversas personalidades em situações e figurinos excêntricos são retratadas, quase que a desmistificar personagens muitas vezes glamourizados. Steve Buscemi, o Mr. Pink de Cães de Aluguel, tem à frente de si uma imensa peça de carne suja de sangue, assim como o avental de açougueiro que veste. Wynona Rider lembra uma Carmen Miranda, cheia de badulaques na cabeça e quase que enterrada em seu traje. Brad Pitt, apenas de cuecas, toma chuva e porta uma pistola d’água com que atira em direção ao espectador, rompendo a relação objeto filmado/plateia tão cara ao cinema.

Outra boa mostra em cartaz, esta no MuBE, é Chop off Their Heads, com trabalhos de Rankin, fotógrafo que criou a revista Dazed and Confused. Logo na entrada, uma rainha Elizabeth que quase pede para ser rabiscada com um God Save the Queen à moda Sex Pistols. Mas intervenções do tipo não tem sido bem vindas, então é bom conter o ímpeto punk juvenil.

De certo modo, Rankin acaba dialogando com Wilson, já que suas fotos também podem servir para desmistificar os mitos sagrados das celebridades. Em que outro lugar é possível ver George Clooney com o dedo no nariz (ok, ele não está realmente com o dedo no nariz, mas é a ideia que se quer passar) ou Jude Law deitado no ombro amigo de Ronald McDonald? O sisudo James Bond, Daniel Craig, faz uma careta, Bowie arreganha os dentes, os irmãos Gallagher, quase tão famosos por suas brigas quanto por suas músicas, se abraçam fraternalmente. É com o inesperado e com a fuga do óbvio que Rankin trabalha.

O destaque fica para as fotos P/B. Keith Richards e seu inseparável cigarro, toda a angústia de Thom Yorke com seus olhos fechados e o olho quase oriental da islandesa Björk escapando do cabelo que cobre seu rosto só tem a ganhar com esta combinação clássica da ausência de cores.

Robert Wilson - Voom Portraits
SESC Pinheiros - Rua Paes Leme, 195 - Pinheiros
Grátis
Terça a sexta, das 10h30 às 21h30. Sábados, domingos e feriados, das 10h30 às 18h30
Até 1º/2.
Tel. - 3095-9400

Chop off Their Heads
MuBE - Av. Europa, 218 - Jardim Europa
Grátis
Terça a domingo, das 10h às 19h.
Até 5/2
Tel. – 2594-2601

Fodidos e mal pagos *

2008-11-18T13:35:00.000-08:00

Para quem recebeu a alcunha de “do vazio”, até que esta Bienal está rendendo alguma coisa. Primeiro foi o show do Fischerspooner, no domingo pós TIM Festival (este sim vazio, aliás).

Agora surge uma bela seleção de filmes, com destaque para alguns sobre música. No último domingo (16/11) foi a estréia, com três sessões de Instrument, documentário que acompanha a trajetória da seminal Fugazi. O seminal aqui não é adjetivo-clichê de crítico preguiçoso, pois a banda acabou responsável pela criação de um movimento, o straight-edge, mesmo que involuntariamente.

De início (o grupo surge nos idos de 1987) uma banda de hardcore, o som evolui ao longo dos discos para algo mais amplo, experimental, um pós-hardcore, para os que não vivem sem um rótulo. E por dez anos o diretor Jem Cohen acompanha esta evolução em um estilo similar ao da banda, sem explicar muita coisa, em grande parte apenas registrando os sons e as imagens. A opção se mostra bastante acertada. Por diversas vezes pessoas nas filas dos shows são mostradas, apenas imagens, nada de entrevistas. Aqueles rostos, aqueles tipos, bastam por si mesmos como registro do tipo de público que a banda atrai. Quando finalmente o diretor resolve ouvi-los, pouca coisa coerente se salva.

Uma banda tão atípica como o Fugazi só poderia ganhar uma sessão igualmente fora do comum. Projetado no terceiro andar da Bienal, os visitantes entravam na sala, ficavam por alguns segundos expostos ao som pouco palatável da banda e iam embora. Além de mim, apenas uma garota assistiu do começo ao fim.

* Fugazi é a junção das primeiras letras de Fucked Up, Got Ambushed, Zipped In, uma gíria usada pelos italianos na 2ª Guerra e reutilizada pelos americanos no Vietnã que quer dizer algo como “fudeu, emboscada, foi pro saco”.

Acelerados

2008-11-12T04:42:00.000-08:00

É a porta dos desesperados: você troca o festival Planeta Terra, com suas zilhões de atrações ocorrendo simultaneamente, pelo show do R.E.M.? Siiim! (Bom, neste caso, o TIM seria aquele cara vestido de macaco que saía assustando a molecada de uma das portas).

Se o PT mais uma vez pecou por fazer seu público perder shows imperdíveis (Rapture ou Devo em 2007, Foals ou The Jesus and Mary Chain em 2008) com seu esquema de shows simultâneos, e algumas bandas cuja expectativa era alta deixaram um pouco a desejar, caso do próprio JAMC, além de Bloc Party, o R.E.M. apresentou nesta terça (11/11) em São Paulo talvez o melhor show do ano.

Mesclando músicas do novo álbum, Accelerate, com clássicos como Orange Crush, It’s The End of The World as We Know It (And I Feel Fine), Losing my Religion e What's the Frequency, Kenneth?, a banda mostrou uma apresentação vigorosa e intensa, diferente do modo burocrático como tocou o JAMC, por exemplo. Prova de que, independente da idade, é possível manter a vontade e o tesão pela música.

Só por momentos como Everybody Hurts, cantada em uníssono pelos 6 mil presentes, já valeria a pena. Após duas horas, o show termina com Man on the Moon. Foi mais fácil o homem chegar à Lua do que o R.E.M. a São Paulo. Mas a espera foi plenamente recompensada.

Adolescentes fluorescentes – “Arctic Monkeys at The Apollo”

2008-10-30T05:28:00.000-07:00

Se Walter Benjamin (1892-1940) tivesse nascido uns anos mais tarde, poderia ter desenvolvido sua teoria a respeito da aura ao assistir a "Arctic Monkeys at The Apollo", filme que retrata o último show da turnê do grupo inglês, ocorrido em 17 de dezembro de 2007. Assistir a um show ao vivo é uma experiência única, catártica muitas vezes, impossível de se reproduzir por meio de um filme. Quem vê um show gravado tem a mesma sensação de quem assiste a um jogo na TV ou a um filme pornô. Até que é legal, mas o bom mesmo seria estar lá.

Se a comparação filme/show ao vivo é injusta com o primeiro, resta então analisar a obra pelo que é. Para azar de "Arctic Monkeys at The Apollo", também sobre este prisma ele sai perdendo. Pois “...at The Apollo” não difere em nada de qualquer DVD de show encontrado aos montes hoje em dia. Faltou a Richard Ayoade, que assina a obra, arriscar mais. Filmado em 16 mm, poderia ter se aproximado mais do cinema, utilizado ângulos menos óbvios, recursos originais, enfim, entregar mais do que simplesmente imagens da banda em ação. O que se salva é a bela iluminação, muitas vezes escura no geral, com luz apenas nos garotos da banda. “Adolescentes fluorescentes”, parece evocar a luz. Mas fica só nisso. Se bem que, para a geração YouTube, acostumada que está com imagens de shows pixeladas e tremidas, assistir a 76 minutos de bons sons e imagens nítidas não deixa de ser um alívio.

Art Bitch

2008-10-27T19:44:00.000-07:00

Para a “Bienal do vazio”, até que estava bem cheio. Uma fila quilométrica saía da porta da Bienal à espera de uma performance artística. Os artistas em questão eram a dupla de eletrônica Fischerspooner. Dançarinas, vídeos, luzes, roupas extravagantes. Arte moderna. Mas, por trás disso tudo, o que se viu na noite de domingo no prédio da Bienal foi nada mais do que um bom show de eletro-rock. Sorte do público. Casey Spooner se vê como um performer, mais do que um vocalista, mas sua performance não passou de briguinhas ensaiadas com uma dançarina, a quem obrigou dar uma ajeitada no cabelo. Warren Fischer, alheio aos estrelismos do parceiro, é o grande responsável pela massa sonora e pelas batidas do som da dupla. Com um set curto (pouco mais de uma hora), isso depois do público ter de implorar por um bis, já que o vocalista queria ir embora logo para alguma festa pós-show, eles mandam novamente Emerge, o maior hit do Fischerspooner e uma ótima música de pista. Para artistas performáticos, o Fischerspooner se sai como uma ótima dupla eletrônica.

Lição de casa

2008-10-24T20:49:00.000-07:00

Depois da escola foi pensado inicialmente pelo diretor e roteirista Antonio Campos como uma metáfora ao 11/09. Duas gêmeas morrem em um colégio, gerando comportamentos paranóicos e controle rígido sobre os alunos por parte da direção. As semelhanças com a paranóia americana e a lei de exceção baixada por Bush não são mera coincidência.

Mas o filme não fica só nisso, funcionando independentemente das torres, sendo a história de como a morte das meninas foi encarada por todos. Robert, aluno-problema, é incumbido da tarefa de gravar uma homenagem às vítimas.

E aí entra a metalinguagem, já que Robert é o retrato de ninguém mais se não Campos. Assim como o diretor que lhe dá vida, o garoto opta por uma câmera que foge dos ângulos óbvios e uma edição distante do lugar-comum, culminando em um filme ao mesmo tempo singelo e político, pois mostra como muitas vezes as lágrimas e depoimentos emocionados são previamente ensaiados.

A visão de Robert sobre as gêmeas é rechaçada. “Nem tem música”, protesta o professor (ou diretor da escola, enfim, o produtor/estúdio do vídeo), que manda reeditar tudo. Resulta da mesma maneira que um filme qualquer sobre as vítimas do WTC: piegas e irrelevante. Tudo o que Depois da escola não é.

Quando: 30/10, quinta-feira, 21:50
Onde: CineSesc (32ª Mostra Internacional de Cinema)
Mais info: http://www.mostra.org/32/exib_filme.php?filme=40

Não é mais 1992 (mas parece)

2008-10-24T19:50:00.000-07:00

"Não estamos mais em 1992", gritou Mark Arm, vocalista do Mudhoney, sexta passada (17/10) na Clash, após dezenas de moshs terminarem em quedas no extenso vão entre o público e o palco (um pé sobrou nos meu óculos, uma lente quebrou, mas quem se importa?).

Não é mais 1992, mas algum incauto bem que poderia confundir a São Paulo atual com a Seattle da época do grunge. Se não vejamos: tivemos nos últimos tempos shows dos Melvins, do Mudhoney, Stone Temple Pilots anunciado e depois cancelado e vem aí The Vaselines, que não é da chuvosa cidade americana (quase, são da Escócia), mas uma das bandas prediletas de Kurt Cobain, que fez questão de gravar diversas covers da banda, como Son of a Gun e Molly's Lips.

O show do Mudhoney (terceiro que vejo, só perdi quando abriram para o Pearl Jam) é de uma intensidade absurda, catártico mesmo. Não só em Touch me I'm sick, mas durante todas as músicas o público enlouquece. When tomorrow hits, Who you drivin' now, Good Enough, Hate the police (não necessariamente nesta mesma ordem), estavam todas lá. Faltou Into the drink. Mas tudo bem. Eles voltam.

Calvin e Haroldo, clique na figura para aumentar

2008-10-15T17:55:00.000-07:00

Now I wanna sniff some glue

2008-10-15T17:53:00.000-07:00

Para quem já andou pelo centro de São Paulo, não devem chocar as cenas de “A Vendedora de Rosas”. Cenas de crianças cheirando cola tomam quase que a totalidade do filme, de roteiro piegas e direção beirando o apelativo. Se a intenção era denunciar a realidade de crianças de rua colombianas (país de origem do filme) ou, em última instância, latino-americanas, alguém deveria avisar o diretor Victor Gaviria de que, apenas para usar um clichê, assim como o amontoado de que ele se utiliza, de boas intenções o inferno está cheio.

Heroin, its my wife and its my life...

2008-10-15T17:52:00.000-07:00

“O Desespero de Veronika Voss”, de Rainer Werner Fassbinder, presta tributo a “Crepúsculo dos Deuses”, de Billy Wilder. Mas não fica só nisso, com a história de uma atriz de cinema decadente que hoje vive em um hospício, onde alimenta seu vício por morfina. Até que um jornalista cruza seu caminho e descobre que o buraco em que a atriz se enfiou é mais embaixo. Com movimentos de câmera que por diversas vezes prendem e enclausuram seus personagens, Fassbinder nos dá a medida certa da angústia deste mundo, não só o das drogas, mas de um mundo que coloca o dinheiro acima mesmo da vida humana.

Sobre café e cigarros

2008-10-15T17:50:00.000-07:00

“O Natimorto – Um Musical Silencioso” surpreende pela leveza. Em se tratando de um texto de Lourenço Mutarelli, autor conhecido por obras que beiram o surreal, adaptado por Mário Bortolotto, dramaturgo que costuma retratar personagens deslocados e perdedores, a peça atinge um grau cômico inesperado. Talvez tenha sido a saída perfeita para abordar a história de um obcecado pelos avisos antifumo das caixas de cigarro, que decide se isolar em um quarto de hotel juntamente com uma cantora cuja voz, de tão pura, somente ele consegue ouvir. O tom é claramente autobiográfico e o final não deixa margem alguma para uma visão otimista da sociedade. O Ministério da Saúde adverte: viver é muito perigoso.